AACの最終審査会には、当該マンションに実際に作品を仮置きしてプレゼンテーションを行うという、ほかのコンペではほぼみられない特色がある。今回の作品設置場所は、東京・杉並区の「アジールコート下高井戸」のエントランスホール。

武蔵野台地のやや高い場所に位置する「高井戸」、かつては水を得るために深く井戸を掘る必要があったことから「高い場所にある井戸」を意味するその地名にちなみ、エントランス空間には水の流れを思わせるデザインが施されている。

作品の条件は、直径1200（円形）×高さ2400mmに収まるもので、台座置きは約100㎏以下とされた。

舞台となった、アジールコート下高井戸

審査員は、青野和子さん（原美術館ARC館長）、大巻伸嗣さん（美術作家）、内田真由美さん（アート・コーディネーター）、服部信治会長の4名。7月の一次審査会では公平性を期し、性別・国籍・大学名・氏名などプロフィールを伏せたプレゼンシートのみの選考で、応募総数99名107作品の中から入賞3作品と入選7作品が選出された。

入賞し、最終審査に進んだのは、向导（シャン ダオ）さん（多摩美術大学大学院 美術研究科 彫刻専攻）、北須賀源己さん（多摩美術大学大学院 美術研究科 工芸専攻）、大川琴音さん（富山ガラス造形研究所 研究科1年）の3作品。それぞれに制作補助金20万円が支給され、約3か月で作品を完成させた。

石彫の雲で「水の循環」を表現－向导「帰雲」

向导「帰雲」素材：大理石

大理石を彫刻し、雲が大地から立ち上がり、空間へ広がる様子を表現した向さん。「高井戸という地名にちなみ、井戸の水はやがて空へ昇り、雲となり、雨となって再び大地へ戻る。この目には見えない水の循環を、雲という形を通して石にとどめました」と、コメント。作品タイトルには、水が姿を変えながら再び大地へ戻ることと、人が外の世界での営みを経て再び家へ帰ることの2つの意味を込めた。

「石は大地の一部であり、長い時間をかけて形成された自然そのもの」と考える向さんは、石の内部構造や模様に残された生成変化の痕跡を追い、その流れや力をたどりながら、1本の鑿（のみ）で1カ月半、毎日彫り進めた。

「手に持つ鑿を風に見立て、風が雲の姿を変えていくように彫り進める先で、何が起こるか予測できない展開もまた、絶えず姿を変える雲の本質に通じるように思います。当初はおおまかな形を描いていましたが、石の性質に応答するように彫るうちに現在の姿に変化していきました」。連続する塊とおおらかな曲面が、石の重さと上昇する軽やかな動きの両面を兼ね備えている。

また、石の内部にある黒い模様を、雨を含んだ雲と捉え、雲の上昇と雨の気配を重ねて、水が空へ昇り、再び大地へ帰る循環も表現。さらに、中央に穴を空けて内側と外側の空間をつなぎ、見る角度によって奥行きや重なりが異なるようにした。「変化」と「永続」が共存する作品だ。

審査員からの質疑では「白壁に対して、色のある石ではなく白い石にした理由」を尋ねられ、「石にも黒い部分や模様があり、彫り跡が光を受けると陰影を生み出すなど、光や見る角度によって変化する表情が楽しめる」と答えた向さん。他の審査員から「それなら自然光の方がいいのではないか」という提案があり、併せて台座と彫刻の高さなども検討された。

水滴が集まり大きな流れを表すガラス彫刻－大川琴音「結」

大川琴音「結」素材：ガラス

丸い器から大小さまざまなガラス粒があふれるようなガラス作品を制作したのは、大川琴音さん。作品について、以下のように話した。

「一粒の水滴は小さな存在でありながら、集まることで流れとなり、さまざまな形や力へと変化していく。その姿を一人ひとりの暮らしが集まり、新たなつながりや可能性を育むマンションの在り方と重ねて表現しました。器という形には、人を優しく包み込む居場所という意味も込め、住む人が安らぎや新たな可能性を感じてもらえればと考えています」。

作品はチームによる大掛かりな制作と、個人による繊細な制作からなる。大川さんは、その制作過程を「器制作」「研磨」「ガラス粒の制作・接着」に分けて説明した。

まず溶鉱炉で溶けたガラスを金属のパイプに巻き取り、息を吹き込みながら器を成形。複数人で連携し、常にパイプを回転させながら進め、徐々に大きくしていく。形が完成した後冷却した。次にウォーターサンダー（水を流しながら研磨する機械）で、粗い番手から細かい番手へと段階的に研磨していった。さらにガラス棒をつくり、切断したものを窯で焼成し、ガラス粒に仕上げる。大きさや形状の異なる粒を、ガラスの内側に一粒ずつ接着して配置していった。

審査員からは、ガラス作品の強度や、接着に使用したエポキシ樹脂の黄変などの懸念が指摘されたが、多摩美術大学で4年間ガラス制作を学んだのち、富山ガラス造形研究所に進学、ガラス制作5年目となる大川さんは考えうる対策を講じていた。また、ガラスの反射がより美しく見えるよう、実際に照明を当てながら検討する場面もあった。

表面の奥に存在する何かを想像させるタイルの岩－北須賀源己「ほとり」

北須賀源己「ほとり」素材：陶（タイル）、発泡スチロール

岩のように見える北須賀源己さんの作品「ほとり」。実は、発泡スチロールで制作した球体の表面を覆っているのは、微細に色合いが異なる細かなモノトーンのタイルだ。

「炭化焼成（焼き物の表面に炭素を吸着させる手法）で黒ずんだ色や白色、緋色が飛んだ赤など色合いや模様の異なるタイルを作り出し、規則性のある正方形の中に崩れた正方形を入れるなど、さまざまな配置で球体の表面に貼り付けています。複雑な見え方にすることで、表面よりも内側の“存在”へと想像を掻き立てたいと考えました」と、須賀さんは語る。

支持体は、軽さを表すために発泡スチロールで成形。ファイバーテープを全体に貼り、3本のパイプを差し込み、セメントやパテなどを塗り重ねて強い構造にしている。また、表面に割れ目のような隙間をつくり、内側から真鍮粉などによる金色をのぞかせている。

審査員から「金がもっと見えるようにしてはどうか」と提案があったが、あからさまではなく何かの存在を感じさせるようにしたいと意図を説明した。また、別の審査員から、北須賀さんが広島県呉出身であることとテーマへの関連を問われ、子ども時代の記憶を話し始めた。

「山の頂上に大きな岩（八畳岩）があり、この岩を割ったら何か出てくるかもしれないと思っていたのですが、あるとき岩の裏側に周り込み、今にも壊れそうな小さな祠を見つけたんです。そのとき、私だけの感覚ではなく、古代の人たちも何かを感じていたんだと。共有できる感覚なのだと確信したことが、“存在”をテーマに制作する原点です」。

このやり取りを境に「作品が“母”のような存在となり、エントランス空間が人々を迎える安心できる場所になってほしい」という思いが審査員に伝わったようだった。

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